Las tarjetas postales ilustradas, un precedente de las redes sociales. Un texto de 2011.

Estamos acabando el mes de abril y en una misma semana he tenido dos buenos encuentros gracias a mi interés por la tarjeta postal. Hace unos pocos días, recibí, dedicado por Martín Carrasco, el espléndido libro que acaba de publicar: el “Catálogo de las Tarjetas Postales Ilustradas de España 1887-1905”. Un libro minucioso y ya imprescindible, en el que los que estamos interesados en este fenómeno cultural, ya sea desde el coleccionismo o desde la investigación histórica, tenemos disponibles las postales que se editaron, la fecha el editor, y las diferentes temáticas que comprendían, porque como ya he escrito, estamos contemplado actualmente las postales históricas como unidades visuales pero en realidad en muchos casos eran blocs postales agrupadas en una unidad temática secuencial, en un mecanismo que evoca mucho al cine primitivo.

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Un libro imprescindible para conocer el origen de las postales ilustradas españolas

Martín Carrasco es el mejor coleccionista y difusor de la tarjeta postal ilustrada que tenemos en España. Cuando publicamos, en 1997, el trabajo de las postales para la Fundación Botín que ya he reseñado en otra parte de ésta bitácora, Martín Carrasco hizo el prólogo y años después,  fue sin duda con su colección, el alma mater del libro que editamos en 2011 para Lunwerg y en el que, junto a Isidro Sánchez, Esther Almarcha, Rafael Villena Espinosa y yo, Martín Carrasco tuvo un papel muy relevante en su elaboración, porque es una persona que ama la tarjeta postal ilustrada y la conoce con mucha profundidad. Desde su tienda, Casa Postal, en la calle Libertad de Madrid, ha sabido desde hace muchos años conectar muy bien  con todas las personas que coleccionan y se interesan por este fenómeno cultural que va más allá de las meras imágenes circuladas por el correo.  Su texto en aquel libro que ya hemos reseñado, es una reflexión muy valiosa sobre el valor social y cultural del coleccionista, especialmente en un país en el que tan despreocupadamente prescindimos de los objetos que nos ha legado el pasado.

Cartas en el Tiempo Entrevista

El autor de este blog, entrevistado por Elisabeth Anglarill del programa de TVE2  “Cartas en el Tiempo” en la biblioteca Menéndez Pelayo de Santander el pasado 24 de abril de 2018

El segundo encuentro que he tenido en estos días, ha sido con un programa de televisión española, Cartas en el Tiempo, que se emite por TVE2 en estos momentos sobre la importancia cultural de las cartas. Detrás de éste proyecto, como asesor, está Antonio Castillo, profesor de la Universidad de Alcalá de Henares que es una referencia en la historia española de la escritura postal. Gracias a sus buenos oficios, el equipo de TVE2 estuvo en la biblioteca Menéndez Pelayo de Santander el pasado 24 de Abril, haciéndome una larga entrevista. La Biblioteca de Menéndez Pelayo es uno de esos lujos que tiene Santander, muy desconocida, pero quienes investigamos sobre el siglo XIX tenemos a nuestra disposición verdaderas joyas bibliográficas. Rosa Fernández la bibliotecaria que está a su  cargo y preparando la transición a un proyecto de revalorización de sus contenidos, es una de esas personas que siempre ayuda a los investigadores muy especializados que se acercan a un espacio que te transporta al pasado. El sitio es muy especial y como lugar para una entrevista así ha sido el lugar ideal. El programa dedicado a la tarjeta postal ilustrada con la doble interacción comunicativa de texto e imágen se emitirá en 2019.

Conocí a Antonio Castillo en 2012 porque me invitó a participar en un ciclo de conferencias que había organizado en el Museo de la Biblioteca Nacional de España con motivo de una exposición de la que era comisario:  “Me alegraré que al recibo de ésta”. Quinientos años escribiendo cartas. Hablamos por teléfono Antonio y yo y le ofrecí una conferencia en torno al significado de comunicación que tuvo la postal en el inicio de la sociedad de las masas en la España de comienzos del siglo XX. Como no nos conociamos personalmente, quedamos en que nos encontraríamos media hora antes de la conferencia que sería a las las 18,30 horas, en la verja de hierro de entrada a la Biblioteca Nacional, un lugar donde yo he pasado muchos días de mi vida investigando. Llegué un poco antes que Antonio y estaba fascinado por el trasiego incesante de personas que estaban entrando y dirigiéndose a la sala de conferencias; de repente, una bedel uniformada se me acercó  y me preguntó si yo también iba a la conferencia y muy ufano por mi parte la dije: “Bueno, realmente yo soy el conferenciante”, me miró extrañada y muy amablemente me respondió: “no, no,  el conferenciante es el señor Mario Vargas Llosa” lo que explicaba ese trajin de personas entrando. La conferencia que yo impartía era paralela a la del premio Nobel de Literatura, y 15 minutos antes de comenzar solo estaban Martín Carrasco y mi colega y amigo Juan Miguel Sánchez Vigil y una doctoranda suya, creo recordar. Me temí lo peor. Para escuchar a Vargas Llosa habían habilitado unas pantallas gigantes en el vestíbulo… pero,  para mi sorpresa, tuve en la conferencia que yo impartía unas 70 personas, a las que agradecí mucho su asistencia y les pregunté al comenzar si no se habían equivocado de conferencia, ninguna se salió de la sala. Yo había preparado un primoroso multimedia para acompañar a mis explicaciones, que ofrezco aquí para su descarga en su versión en pdf, y a la mañana siguiente, la directora del Museo de la Biblioteca Nacional, me envío un correo asombrada porque había superado con creces el número de asistentes al ciclo de conferencias y me decía, medio en broma, que había aguantado y, a mi manera, superado en escala la competencia formidable de Mario Vargas Llosa. Yo creo que no fue por mi multimedia, sino por el propio tema de la tarjeta postal ilustrada que es muy atractiva siempre y por muchos motivos.
Además de las pantallas de ésta conferencia, ofrezco aquí el texto que publiqué en  Fotocinema, Revista Científica de Cine y Fotografía que edita la Universidad de Málaga, en su número 2 del año  2011 sobre el valor cultural de las postales y su visión actual desde nuestras experiencias con las redes sociales. La tarjeta postal ilustrada es un producto postal que tuvo dos vidas; en el caso español como nueva forma de comunicación postal a partir de 1873 y en su encuentro con los avances de la fotomecánica y el comienzo de la sociedad de las masas desde 1887, como una especie de medio, que, sin serlo realmente, muestra de modo enciclopédico toda la realidad diversa y compleja de un país, España, que se estaba haciendo moderno y las imágenes de aquel momento a través de la tarjeta postal ilustrada lo estaban reflejando.

Una revisión del valor cultural de la tarjeta postal ilustrada en el tiempo de las redes sociales.     (Pulsar para descargar)

 

 

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Observando y reflexionando en torno a las nuevas prácticas culturales con las imágenes. Un texto de 2017

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Bernardo Riego (2017) El nuevo espectador digital usa los iconos culturales para representar su ego personal. Escena ante la Mona Lisa de Leonardo da Vinci en el Louvre

Nunca me he sentido un historiador de las imágenes que mira solo al pasado, también me interesa lo que ocurre en el presente y cómo hemos llegado hasta aquí; qué ha ocurrido para que aparezcan nuevas prácticas culturales y se instalen de un modo tan rápido en la sociedad. En ese sentido las imágenes, los modos de contemplarlas, producirlas y usarlas son un permanente objeto de mi atención  en cualquiera de las etapas de la contemporaneidad. Hace unos pocos años que estoy embarcado en una ambiciosa investigación en la que intento analizar como surgió el espectador de la modernidad, que un buen día comenzó a visitar las barracas cinematográficas y a entretenerse y fascinarse con el caos visual de las primeras exhibiciones de la entonces denominada fotografía en movimiento, en un momento en el que las revistas gráficas o magazines, estaban insertando imágenes fotográficas de gran tamaño gracias a las nuevas posibilidades del fotograbado que, por primera vez en la historia de las imágenes permitía que circulasen miles y miles de ellas en el papel impreso con la apariencia tonal de las imágenes fotográficas. Para desesperación de la alta cultura que veía con malos ojos (¡Qué acertado el eufemismo!) que aumentase el espacio para contemplar y se redujese el espacio para leer en las publicaciones periódicas, al mismo tiempo que la tarjeta postal ilustrada, los carteles y otros productos gráficos aumentaban su presencia social y generaban nuevas prácticas y costumbres en un tiempo, el de la sociedad de las masas, para el que las imágenes de modo inexorable comenzaban a configurar una iconosfera cada vez más y más densa.

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En los tiempos de intensos cambios culturales como el actual, persisten viejas prácticas que aunque están en desuso siguen teniendo su vigencia. Vendedor de postales de Roma ante la cola de los Museos Vaticanos. (Foto Bernardo Riego. 2015)

Tengo el privilegio generacional de haber asistido a la llegada de la sociedad digital, desde sus balbuceos en la microinformática de la década de los años ochenta hasta la influencia que ahora tiene en las formas de entender la realidad. En otro lugar he contado lo que ocurría en los ámbitos fotográficos cuando en la década de los años noventa se hablaba de la imagen digital, todo el mundo se ponía algo nervioso y lo veía como algo lejano. En 1993, en la Universidad de Cantabria monté los primeros cursos de fotografía digital con los medios que existían en aquellos años,  cuando almacenar en un disco ZIP de 100 megabytes, nos parecía alta tecnología.  Cuando nos quisimos dar cuenta, la imagen digital había convertido en arqueología a las imágenes de base fotoquímica. Un día, allá por el año 2003, estaba tomando un café en un bar y escuché a dos barrenderos que se contaban el uno al otro como se podían convertir imágenes digitales a otros formatos, reducirlas de tamaño y pasarlas por Internet, y en ese momento entendí que la imagen digital se había socializado ya con mucha profundidad, y hoy, cuando tomo fotografías en mis viajes a las personas que tienen naturalizadas las nuevas prácticas culturales con los dispositivos móviles, con los selfmedia, de los que hablaba Patrice Flichy, constato que ha surgido un nuevo espectador que ya no mira a la realidad sino que la captura, que los objetos culturales sirven ahora como fondo de un narcisismo que las nuevas tecnologías de la imagen amplifican por las propiedades de densidad, accesibilidad, interacción, amorfia, ubicuidad y así hasta diez características, que poseen los objetos digitales y que tan acertadamente definió mi maestro Antonio Rodríguez de las Heras hace ya unos cuantos años, y que, como ocurrió en la sociedad de las masas, en ésta nueva sociedad-red, por usar ahora el preciso término que difundió Manuel Castells, las imágenes que hacen las personas establecen otros diálogos y relaciones con la sociedad. Existe un tema que siempre me ha apasionado y son esos momentos en los que están conviviendo antiguas concepciones de la representación visual con las nuevas posibilidades tecnológicas de crear las imágenes. En el año 2013, en un encuentro que hicimos en el Instituto de Cultura y  Tecnología “Miguel de Unamuno” de la Universidad Carlos III de Madrid, me inventé un palabro que tengo un poco en cuarentena: los fenómenos de borde, que ocurrieron en el transito de la imagen medieval a la construcción de las escenas en perspectiva, en la sociedad de las masas con las posiblidades del fotograbado y en la llegada de la imagen digital, cuando todavía no habían aparecido las prácticas actuales con los móviles y otros dispositivos de captura de imágenes pero se estaba buscando una narrativa digital.  Ofrezco aquí las pantallas de aquel seminario de la que fue anfitriona Beatriz de las Heras, una excelente historiadora de las imágenes que ejerce su brillante magisterio en esa universidad y que, de tanto, en tanto nos convoca a una serie de especialistas para trabajar en torno a los múltiples significados históricos, culturales y sociales de las imágenes en sus diversas tecnologías contemporáneas.

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(Foto: Bernardo Riego) El dilema de mirar y comprender  o simplemente capturar en una imagen tomada en el British Museum en 2013

En el año 2016, Mario Crespo, un autor santanderino, gran dinamizador, buen amigo y colega en la Universidad de Cantabria,  con esa mentalidad inquieta y abierta que siempre le caracteriza, comenzó a editar una revista con recursos propios a la que tituló  “Leña al Mono” y me pidió una colaboración, algo que no llegó hasta finales de 2017 porque mi agenda no me lo permitió. En esa revista publiqué unas breves reflexiones sobre las nuevas prácticas culturales con  los nuevos dispositivos y algo que creo que hay que dejar constancia desde la perspectiva del historiador, y es que algunas de los fenómenos culturales a los que estamos asistiendo, han tenido antecedentes, que aunque lo parezcan y así lo repite la industria digital, no son consecuencias exclusivas de las tecnologías actuales, pongo en el texto algunos pocos ejemplos. Ofrezco aquí las versiones publicadas en la revista y el Pre-Print, en ambos el texto es el mismo pero la maquetación cambia. Este texto es un reflejo de mis preocupaciones por dotar a la historia de las imágenes de una visión de continuidad frente a las tendencias rupturistas que se creen que todo lo ha traído la imagen digital, que, ciertamente, ha cambiado muchas prácticas y concepciones y lo seguirá haciendo en el futuro.

Las nuevas prácticas culturales con las imágenes digitales y el recorrido de su arqueología histórica.  Versión de la revista “Leña al Mono”

Versión Pre-Print del texto publicado en “Leña al Mono”

Fenómenos de Borde. Pantallas de la Conferencia (2013)

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La importancia de la genealogía, también en la Historia de la Fotografía, un texto de 1996 contrastado con otro de 2015 y la reciente obra de Carmelo Vega al fondo

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Éste dibujante en una cámara oscura nos sirve como metáfora de la escritura histórica de la Fotografía. Grabado de: “The Museum of Science and Art” Dionysis Larder (1855)

Uno de los riesgos ciertos que tienen las bitácoras es que muchas acaban abandonadas por sus autores tarde o temprano. No es mi caso. Introduje la última entrada a comienzos de 2017, ha pasado un año y en ningún momento he olvidado que tenía pendiente renovarla. (¡Tengo muchos textos todavía que deseo compartir!). Pero he estado tan ocupado en éste tiempo y con tantas actividades que, ahora, cuando hago repaso de todas ellas, me doy cuenta de todas las cosas que he estado haciendo y que me ha ocupado gran parte de mi tiempo  durante estos meses en detrimento de esta ventana de comunicación que tantas satisfacciones me proporciona. En mi universidad como en  otras, existe un programa formativo para personas jubiladas que aquí lo denominamos Programa Senior de la UC. Durante seis años estuve impartiendo un curso sobre historia de la comunicación desde los ilustrados del siglo XVIII y la revoluciónaria propuesta de conocimiento textual y visual que supuso L’Enciclopédie de D´Alembert y Diderot hasta la  actual Sociedad-Red que estamos transitado en ocasiones sin entenderla del todo, pero tenía una temática que deseaba explorar y era analizar  cómo se había fraguado la Sociedad de la Información, una  cuestión que está tansformando nuestras pautas culturales, sociales, políticas y económicas y además con los alumnos con los que comparto la asignatura, tenemos la ventaja de que hemos conocido todos el tránsito de las prácticas analógicas a las digitales, pero nos faltaba una perspectiva histórica que superase esa visión continuamente adanista que los autores acriticos que hablan de digitalidad propugnan, obviando (o tal vez ignorando), que se puede establecer una línea continua y coherente desde la arqueología del conocimiento, (utilizando la terminología de Michel Foucault), que existe entre las láminas dibujadas de L’Enciclopédie al buscador de imágenes de Google que tienen el mismo origen conceptual, a pesar de su divergente ontología tecnológica.

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Clasificación de picos y patas de aves en una lámina de L’Enciclopedie (1763). Si buscamos ahora en Google esta misma temática, la organización visual que aparece es muy similar a la que hicieron los ilustrados en el siglo XVIII, un buen ejemplo de la continuidad y permanencia cultural del sistema de clasificación gráfica.

Me esfuerzo mucho por conectar los fenómenos tecnológicos del pasado con su continuidad digital. Se puede ver, por ejemplo, en el caso de la conmutación de paquetes que mueve los archivos en la red como algo exclusivo de la digitalidad, pero si uno tiene esa perspectiva histórica a la que me refería antes, observará que ya, durante la guerra franco-prusiana en 1871, se enviaban mensajes redundantes con palomas mensajeras que siguen el mismo principio que hace posible que un correo electrónico llegue hoy a nuestro ordenador. Cambian las tecnologías pero persisten los principios que permiten que los fenómenos ocurran aunque ahora pasados por las redes y los bits parezcan nuevos. Se estrenó, a mediados de 2017 la película El Círculo, basada en la novela de Dave Eggers, que, entre otros aspectos más o menos inquietantes vuelve a poner de manifiesto la tendencia de la industria digital de creer y hacer creer que todo lo que hacen es borrón y cuenta nueva con el pasado, una tendencia que se puede rastrear muy bien en los orígenes de la microinformatica a finales de la década de los años setenta que modeló personajes que con apariencia antisistema, crearon grandes corporaciones con prácticas monopolísticas que encajan muy bien con las vigentes concepciones  neoliberales, pero es evidente que existe, más allá de las mitologías digitales, toda una malla sutil y olvidada que conecta los procesos actuales basados en el símbolismo de la digitalidad con las tecnologías que cambiaron la mentalidad de las personas desde el siglo XIX, entre ellas la fotográfica.

Siempre me ha interesado mucho explorar la genealogía de lo que estudiamos, porque es un modo de entender mejor los procesos históricos. Me ocurrió con la propia construcción de la Historia de la Fotografía. En 1994, Carmelo Vega y yo, hablamos mucho del tema, y finalmente publicamos un libro que se tituló Fotografía y Métodos Históricos, dos textos para un debate que fue el comienzo de nuestras indagaciones en torno a la historiografía fotográfica. A finales de Octubre del ya pasado 2017, tuve el privilegio de presentar junto a Monica Carabias, en la librería del Centro de Arte Reina Sofía, la monumental obra que acaba de publicar Carmelo Vega y que abre una multitud de nuevas líneas de investigación. Un libro imprescindible y que marca un antes y un después en la indagación histórica de la Fotografía en España y es claramente un ejemplo internacional de rigor y buen hacer, puede descargarse la recensión que hago en Fotocinema aqui.

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El libro recien editado de Carmelo Vega que indaga entre otros muchos aspectos en la construcción de la Historia de la Fotografía en España

En 1996, Mario Díaz Barrado, que había participado intensamente en los seminarios sobre la imagen fotografica que hicimos en la Universidad Carlos III de Madrid, bajo la dirección de Carlos Serrano y Antonio Rodríguez de las Heras, fue el editor de un número monográfico de la revista “Ayer”, la publicación de referencia de los historiadores contemporanistas. En ese número, que aquí puede descargarse completo, abordé el tema de la genealogía de la Fotografía con una visión orientada a los historiadores profesionales que se encontraban con el fenómeno de las imágenes fotográficas y aunque les interesaban, entendían que era un tema ajeno a su formación fundamentada sobre todo en el texto escrito.

Anteriormente a éste texto, publiqué en 1994, el que ya me he referido y posteriormente aparecieron otros sobre aspectos específicos, el último en un monográfico de la revista de la Universidad de Málaga “Fotocinema”, en el que reflexiono esta vez en cómo hacer historia de la Fotografía en un tiempo posmoderno y también Carmelo Vega aporta una reflexión muy interesante sobre los vacios de la trama historiográfica española.  El monográfico de Fotocinema puede consultarse aquí y, en mi caso, puede contrastarse mi texto con el publicado en 1996 en “Ayer”. Han transcurrido los años pero muchas preguntas  sobre la genealogía de la Historia de la Fotografía, nos permiten entender  en qué hemos centrado  nuestra mirada historiográfica y que cuestiones, sin duda, hemos desatendido.

La historiografía española y los debates de la Fotografía como fuente histórica

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Las tarjetas postales ilustradas cómo instrumentos de propaganda visual. Recuerdos de la Primera Guerra Mundial. Un texto interactivo de 2014

La tarjeta postal ilustrada ha sido uno de esos materiales visuales que durante mucho tiempo me han fascinado y atrapado mi interés investigador. En 1997, con motivo de la catalogación de las colecciones de la ciudad  de Santander para la Fundación Botín, publiqué una reflexión que está en otra parte de ésta misma bitácora y que se puede consultar aquí. Elaborar una historia de las postales en España fue un proyecto que tenía en cartera desde hace muchos años, y mi buen amigo, el editor Juan Carlos Luna, me pidió que lo abordase para la editorial Lunwerg, pero otras obligaciones me fueron absorbiendo, y en 2010 tuve la suerte de reencontrarme con Esther Almarcha e Isidro Sánchez de la Universidad de Castilla-La Mancha, que estaban trabajando sobre los materiales Ephémera, entre las que se incluyen a las tarjetas postales, habían publicado un trabajo sobre la tarjeta postal junto a Rafael Villena, profesor de Historia Contemporánea en la misma Universidad que Esther e Isidro y me animaron a participar con ellos en un proyecto amplio y ambicioso que dio lugar a “España en la Tarjeta Postal, Un Siglo de Imágenes” que apareció en la editorial Lunwerg en 2011. Aprendí mucho trabajando con todos ellos.

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Portada del libro sobre la historia de la tarjeta postal en España que publicamos en 2011

El libro fue un éxito de ventas, y entre las satisfacciones de ese libro, para mí, hay una muy íntima y personal, y fue que la selección editorial final la hizo conmigo en la sede de la editorial Planeta en Barcelona, mi buen y siempre querido amigo Andreu Gamboa, ya muy enfermo pero que hizo un esfuerzo muy grande para estar en el libro, y con su experto ojo editorial y esa elegancia que siempre tenía para las ediciónes, realizó la última criba de una selección en la que participamos además de Isidro, Rafael y Esther, Martín Carrasco, el mejor coleccionista de postales que tenemos en España y Oscar Fernández Olalde, un documentalista exquisito y eficiente que digitalizó y preparó las miles de imágenes que compusieron el proyecto. A mí me tocó hacer el papel de editor del libro y de escribir la parte de la postal a partir de la posguerra, pues la editorial nos propuso que abordáramos también la tarjeta postal de la época franquista y creo que la selección funcionó muy bien en el conjunto aunque esa etapa por la diferente calidad con la edad de oro de la tarjeta postal española que fue de 1896 hasta 1920 (hay opiniones sobre el cierre de esa etapa dorada, pues otros autores la cierran antes), a todos nos daba un poco de miedo mezclar épocas tan dispares, pero la aventura salió bien.

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Aunque hoy nos parezcan ingenuas y un tanto burdas, las postales de la Primera Guerra Mundial se emplearon en ambos bandos muy a fondo en funciones de propaganda.

La tarjeta postal tiene muchas posibilidades de investigación y una de ellas está vinculada con la evolución de la propaganda visual en el siglo XX. En 2014, cuando comenzó a celebrarse el centenario de la primera guerra industrial de  la historia, que cambió Europa para siempre, yo estaba trabajando en la Universidad de Cantabria aspectos referidos a la Opinión Pública desde la perspectiva histórica contemporánea y resultaba fascinante que mientras los estados mayores europeos involucrados en la guerra, despreciaban las posibilidades propagandísticas del cine, por lo menos hasta 1916, los editores de postales publicaron miles de imágenes que operaban como fragmentos de propaganda y cumplían las extensas funciones que las imágenes tenían ya en el entonces incipiente siglo XX. Además la Primera Guerra Mundial tuvo aspectos curiosos y que no se repitieron después, por ejemplo, que en las trincheras hubiese fotógrafos tomando escenas privadas para el recuerdo. Que existieran compañías como Eastmant Kodak estimulando la venta de cámaras “de soldado” en el frente. Ese cruce entre postales de propaganda, imágenes privadas en formato postal de la cruda vida en las trincheras, y algunos fragmentos de un cine aparentemente informativo, pero que en su mayor parte es reconstrucción, me incitaron a preparar un material ineractivo en pdf que mostré a mis alumnos de Historia de la Opinión Pública en la Universidad de Cantabria y que ahora pongo a disposición de los seguidores de ésta bitácora, cada vez más numerosos. No es un texto cómo los anteriores. Se trata de una presentación en pantallas interactivas por las que se puede navegar y visualizar aspectos diversos de las imágenes de propaganda y privadas de la Primera Guerra Mundial. He colocado incluso dos documentos cinematográficos que están incrustados en el pdf y se ponen en movimiento al pulsar sobre ellos. Cómo se trata de tecnologías de edición todavía muy nuevas, no es satisfactorio su uso en todos los dispositivos, sobre todo en las tablets y dependiendo del programa que lo visualice, los videos no se mueven. De todos modos he puesto un indicador en amarillo para señalar los  videos que tienen movimiento en el documento.anuncio

Anuncio de cámaras para tomar fotos privadas en los frentes de combate, una práctica que no se repetiría ni en la Guerra Civil española ni en la Segunda Guerra Mundial donde las funciones de Inteligencia de los Estados Mayores fueron ya mucho más elaboradas.

En otra entrada insertaré un texto publicado en la revista Fotocinema de la Universidad de Málaga en 2011, que elaboré a partir de la publicación del libro, pero eso será más adelante. Espero que los interesados disfruten con ésta modalidad de texto interactivo, diferentes a los escritos pero que también aportan mucha información y sugerencias.

La guerra de las imágenes   (Pulsar para descargar)

Reflexiones en torno al análisis histórico de las imágenes fotográficas y a la búsqueda de herramientas metodológicas. Un texto de 1995.

Acabamos de pasar una fuerte ola de calor y tengo mis dudas que un texto como el que propongo sea el adecuado para un verano tan tórrido cómo el que estamos pasando, porque “La mirada fotográfica en el tiempo”, una ponencia que leí en un Congreso organizado por la Universidad de Extremadura en Noviembre de 1995, y que fue publicado al año siguiente en una monografía editada por Mario Díaz Barrado, es sin duda uno de mis textos más intensos en torno a una temática que en aquellos años me preocupaba

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Louis Figuier. La dama del espejo. (Ca. 1855). Esta imagen es un perfecto ejemplo de un juego de miradas históricas en torno a la representación fotográfica. Las significaciones para un espectador del siglo XIX son muy diferentes a las que tienen para quienes la contemplamos actualemente

mucho porque careciamos de estudios específicos al respecto, me refiero al análisis historico de las imágenes como fuentes del pasado y no como meras ilustraciones que puestas en página de modo acrítico, parecían evocar una realidad pretérita a la que no se le sometía a ningún tipo de crítica historiográfica, algo que si parecía imprescindible en los textos escritos.

Si la década de los años ochenta fue la de acometer la primera cartografía de autores e imágenes fotográficas existentes en la cultura española desde el siglo XIX, la década de los noventa fue la de avanzar en la integración de las fuentes visuales fotográficas en el ámbito del análisis histórico. Transitábamos un territorio muy fragmentado con procedencias epistemológicas muy diversas que procedían de visiones elaboradas desde la Historia del Arte, la Comunicación Visual, la Semiótica Estructural,  la Estética Visual, la Filosofía, la Antropología y algunas otras que convivían, en ocasiones sin tan siquiera reconocerse, aunque, de modo hegemónico y bastante acrítico, imperaba todavía entre nosotros en aquellos años la visión artística de la escuela “Newhall” que buscaba autores e imágenes para hacer un panteón utilitarista para el coleccionismo pero que de modo reiterado descontextualizaba los fenómenos culturales y comunicativos de las imágenes del pasado.

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Como caminan las personas gracias a la fotografía instántanea. Publicado por  Josef María Eder  en su obra: La photographie instantanée. (1888). La evolución técnica de la Fotografía ayudo a transformar la mentalidad cultural en torno a la realidad a quienes transitaron el tiempo que llevaría a la Sociedad de las Masas.

Este fue uno de los textos que elaboré en torno a dotar al análisis de las imágenes fotográficas de una serie de instrumentos de trabajo y en él aparecen ya elementos nodales de lo que serían mis trabajos posteriores en torno al espectador, a los modos de ver y contemplar una imagen del pasado con ojos presentistas y la necesidad de construir un discurso historiográfico en el que la propia imagen formaba parte de un relato mucho más complejo que lo que parecía mostrar su propia representación.

En el Congreso de las “Edades de la Mirada”, fue donde consolidé mi afecto por Mario Díaz Barrado, discípulo de Antonio Rodríguez de las Heras, pionero en el uso de las fuentes documentales no escritas. Su libro “Palabra de Dictador” (1985), analiza  los discursos de Miguel Primo de Rivera en el período 1923-1930 y lo hizo con una metodología de análisis  que fue muy novedosa en su momento. Había conocido a Mario en los encuentros que hicimos sobre imagen en la Universidad Carlos III de Madrid que coordinaban Carlos Serrano y Antonio Rodriguez de la Heras, y desde aquel momento hemos trabajo juntos en muchos proyectos, las aproximaciones de Mario Díaz Barrado sobre la fotografía en el campo de la Historia del Tiempo Presente son de una enorme utilidad metodológica y conceptual. También en aquel Congreso conocí a Javier Marzal, hoy una de nuestras mejores referencias en Comunicación Audiovisual, Javier acabada de publicar su estudio sobre las partituras de las películas de D.W. Griffith, acababa entonces de llegar de Estados Unidos donde había investigado un material muy poco valorado en la historia del primer cine que, a pesar de cómo se ha etiquetado, nunca fue mudo, y la música en la sala fue un elemento fundamental para crear la intensidad narrativa a las imágenes que se proyectaban. Javier Marzal y quien escribe ésta bitácora, amigos desde entonces, nos reconocemos en nuestra visión interdisciplinar y en no tener temor a explorar otros espacios culturales de las imágenes más allá de las cajas estancas en las que por inercia se mueve aun todavía una parte de la investigación sobre la cultura audiovisual contemporánea, donde las  imágenes fotográficas constituyen una parte imprescindible para entender todo ese tiempo que se configura en la Ilustración, atraviesa la cultura decimonónica y la modernidad y hoy en plena cultura de la posmodernidad se encuentra atrapada en los sutiles hilos de la Sociedad-Red. 

La Mirada Fotográfica en el Tiempo: Una mirada para su interpretación histórica    (Pulsar para descargar)

 

La red visual de Sara Huete, o el reciclaje de significaciones de las imágenes fotográficas impresas. Un texto de 1997

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Sara Huete. Medidas extraordinarias. 2012

Una de las canciones que más me gusta es la que canta  el colombiano  Jorge Celedón, Qué bonita es esta vida. Una canción optimista y vital que me acompaña cuando necesito un poco de estímulo. Soy de los que creo que, aunque vivimos en una época terrible y a los informativos me remito, a pesar de las utopías recurrentes (la eléctrica a comienzos del siglo XX y ahora la utopía digital, ya hablaré de todo esto más adelante), obviamos que realmente estamos todavīa en una fase muy inicial desde el punto de vista de la cultura social en la que apenas hemos vivido diez mil años como especie. Si somos capaces de resolver con la Ciencia algunas de las encrucijadas actualmente planteadas, nuestro tiempo se verá, sin duda, en el futuro como una época todavía muy primitiva. Pero por si ésta bitácora sobrevive a ese futuro, (¡quien sabe!)  quiero escribir que una de las mejores cosas que tenemos los humanos hoy son los amigos, y si además son tan creativos y sugerentes como Sara Huete y su obra, entonces la canción de Jorge Celedón que tambien canta maravillosamente Amanda Martínez en un bar mexicano, tiene plena justificación  y atenúa un poco algunas de las penurias a las que asistimos en estos momentos.

Sara Huete no se siente artista fotográfica, pero utiliza las imágenes fotográficas impresas en viejas revistas para remezclar sus significaciones y darles nuevos sentidos interpretativos que aluden a cuestiones centrales de nuestro tiempo y de nuestra cultura. En un momento en el que muchos artistas están indagando con el nuevo taller iconográfico que proporciona el software digital, Sara Huete incorpora a las imágenes fotográficas, creadas e impresas en su día  con otra intencionalidad, pequeños objetos tridimensionales que dan al conjunto de su propuesta una nueva e inesperada lectura. Es un autentico placer ver sus trabajos que conjugan la imagen impresa con los objetos añadidos que reconvierten la significación y se completan con un breve texto escrito con una vieja máquina de escribir que, de la manera que tan bien explicó Roland Barthes en sus escritos, anclan el sentido expresivo de una obra que deja siempre al espectador un enorme territorio para sentir, imaginar y sobre todo intuir  reconstruyendo con la mirada los significados que pueden plantear los hermosos objetos tridimensionales que crea Sara que, aunque parezcan ingenuos, plantean muchas cuestiones profundas y nada inocentes o casuales.

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En  estos días se ha inagurado en la Torre de Don Borja de Santillana del Mar, una antología de su obra con el título Las Historias Recortadas. Tuve la fortuna de visitar la exposición antes de su apertura pública porque Sara, amiga de sus amigos, nos invitó a un pequeño grupo a que asistieramos a una primera apertura privada y contempláramos su trabajo reciente y lejano en las dos plantas donde se ha ubicado su extensa obra.  En la visita fue cuando se me ocurrió que tenía que recuperar el texto que en un lejano 1997 escribí sobre su obra  y de paso invitar  a quienes estén interesados y puedan acercarse a Cantabria (una experiencia que en sí misma merece la pena)  a  disfrutar ésta espléndida exposición. Para todos y especialmente para los que no puedan venir, en todo momento cuentan con la grata posibilidad de visitar su página web que constituye una experiencia completa y compleja de todo su trabajo artístico, incluyendo la nueva línea de experimentación que está transitando a través de sus piezas animadas de arte digital.

La certidumbre está en el azar (Pulsar para descargar)

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Algunas reflexiones sobre la fotografía de creación contemporánea en España. Un texto de 1999

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Ciuco Gutiérrez. Sueños de dominguero. (1998). Editada para El  Aula de Fotografía de la Universidad de Cantabria de Cantabria con motivo de su décimo aniversario

Cuando retornas a una bitácora como la que yo escribo y vuelves a ver la misma entrada, tienes la sensación de que el autor ha decidido ponerse a echar la siesta y  que desde el último esfuerzo, no está haciendo nada de nada. Aunque tener espacios de descanso es fundamental para crear algo nuevo  y con calidad, en mi caso la realidad es otra; con motivo de un decreto ministerial muchos de los que nos dedicamos a la docencia universitaria nos hemos visto en diversos tribunales que debían juzgar tesis doctorales del plan antiguo (siempre hay un plan antiguo y un plan nuevo que, de pronto, sin que nadie sepa muy bien porqué, también se volverá antiguo). Yo he estado en siete ú ocho tribunales, en algunos tan solo de suplente, pero he tenido la fortuna de participar en varios de muy enorme calidad como el que tuvo lugar en la Universidad de Barcelona sobre la figura del fotógrafo e industrial gallego Pedro Ferrer, un autor ya imprescindible de la fotografía española con conexiones argentinas que ha recuperado con enorme esfuerzo la profesora Ana María Baldani Cámara con la sabia dirección de Dolors Tapia. Fue una excelente oportunidad de reencontrarme con buenos y viejos amigos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona y recordar su espíritu siempre tan activo.

En ese peregrinar de Universidad en Universidad un buen día en el que la bitácora seguía con el mismo aspecto, estuve en la Universidad de Navarra, en un tribunal de la que fue presidenta María de los Santos García Felguera, y donde nos tocó juzgar un excelente trabajo de Laura Torre Vall sobre un tema que nos faltaba en la historiografía española, la significaciones de los álbumes de viajes del XIX. Mari Santos García Felguera, comentaba certeramente que, gracias a la extinción del plan antiguo, la investigación en Fotografía ha dado en los últimos meses un gran avance entre nosotros y en el caso de la Universidad de Navarra, la impronta de Asunción Domeño, la directora de la tesis de Laura, ha posibilitado que en ésta universidad privada, el nivel de investigación sobre Historia de la Fotografía sea dese hace muchos años un referente de primer nivel. Lo dije públicamente en el acto académico en la sala imponente donde nos pusieron y lo repito aquí, porque el trabajo de calidad debe reconocerse y el de Asunción Domeño lo es y mucho. Por la tarde estuvimos en el Museo de la Universidad de Navarra viendo con Valentin Vallhonrat algunas de las joyas de la colección fotográfica que han ido componiendo en estos años. Me emocionó el exquisito cuidado con el que Valentín y su equipo tratan a las piezas que conservan, que contrasta con el trato desaliñado de algunos materiales valiosos que veíamos en los años ochenta en otros centros donde había fotografías y para algunos de los que las custodiaban y no entendían su valor cultural y patrimonial eran más una molestía que materiales imprescindibles para poder entender nuestro tiempo. Tanto en Navarra como en otras citas anteriores los doctorandos recordaron la figura de Ángel Fuentes de Cía al que, a finales de éste año, dedicaremos un homenaje que será permanente en las Jornadas Antoni Varés de Girona, Ángel  ha sido una figura imprescindible en la formación de quienes, ahora sí, custodían, conservan y sobre todo, entienden, el valor que tiene para la sociedad nuestro patrimonio fotográfico.

Una vez que he demostrado ante los lectores de la bitácora que estas semanas no he estado tan inactivo como parece, paso a hablar un poco del texto que pongo hoy a disposición de los interesados y que escribí en 1998 aunque se proyectó en 1999, dos años que fueron muy  intensos en mi actividad. Con motivo de los diez años del Aula de Fotografía que dirigía en la Universidad de Cantabria, conseguimos un dinero del Consejo Social de mí institución y Ciuco Gutiérrez nos hizo una pieza maravillosa que envíamos a museos y centros culturales españoles y latinoamericanos titulada “Sueños de Dominguero”. El único centro artístico que rechazó una de los cincuenta ejemplares firmados que componían la tirada de la obra de Ciuco Gutiérrez, porque tenía entonces una política preventiva sobre donaciones,  fué el Guggenheim de Bilbao, pero hasta la entonces Ministra de Cultura, Esperanza Aguirre, nos envió una carta de agradecimiento y nos comunicó el ingreso de la pieza de Ciuco Gutiérrez en la colección del Museo Reina Sofía. Ese mismo 1998, a finales de año,  estuve en el jurado del premio nacional de Fotografía que otorgamos  muy merecidamente y en mí opinión, con mucho retraso,  a Joan Foncuberta. Creo que fue Humberto Rivas el que me propuso como miembro del jurado, y tal vez a resultas de esa participación, ya no me acuerdo muy bien,  el Ministerio me pidió  que hiciera un prólogo sobre fotografía de creación para un catálogo, “Propuesta 99”, que iba a exhibirse en lo que entonces era el Museo de Arte Contemporáneo y luego iba a viajar por Latinoamérica. Como he escrito ya con anterioridad, no me gusta nunca hacer textos de circunstancias e indefinidos, y decidí abordar algo  que me chocaba en aquellos años que yo estaba asistiendo a múltiples encuentros europeos, y era la disimetría entre la percepción que en España se tenía de la creación y de la cultura fotográfica y la fascinación europea del trabajo que estábamos haciendo aquí, así que no hice un texto cómodo para mí ni para los que me invitaron, sino que acometí una reflexión crítica reivindicando el papel de los creadores fotográficos y haciendo una prospectiva y sobre todo una perspectiva de su papel en una cultura del arte contemporáneo que se estaba transformando. No entendía la falta de autoestima de los creadores fotográficos españoles, como no entiendo ahora en estos años tan deprimentes que nos ha tocado transitar, que no pongamos en valor lo trabajado, lo construído y que somos, siempre lo somos, por mucho que lo olvidemos, la semilla del futuro y la referencia para otros que están recorriendo el camino detrás de nosotros y por eso debemos mantener el entusiasmo y creer en lo que hacemos.

Ahora cuando he releido el texto, me ha vuelto a parecer interesante y conserva bastante  de actualidad, y es la idea de que por encima de las dificultades, más allá de los desaciertos y de los posibles fracasos, persistimos un grupo pequeño pero sólido que  no hemos cejado en trabajar y en valorar la Fotografía como un bien cultural con todas las consecuencias y a todos ellos y ellas quiero dedicar éste texto arriesgado que publiqué en un catálogo del Ministerio de Cultura en el ya lejano año de 1999 y que no me parece que se haya quedado tan desfasado en estos raros tiempos que estamos ahora transitando.

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